I´ll Be Your Baby Tonight

Será porque estamos en verano que me viene a la mente el reggae, concretamente el reggae pop de los 80s. Por entonces Marley ya había muerto, y el reggae había salido de Jamaica y se había metido en las listas del pop y del rock, gracias a Johny Nash (I Can See Clearly Now), Paul Simon (Mother & Child Reunion), o Eric Clapton versionando al propio Marley (I Shot The Sheriff), y había influenciado a muchísimos artistas, sin ir más lejos a The Police.   

Pero en los 80s hubo una especie de boom del reagge pop británico, y el máximo exponente fueron los UB40. Casi todos sus temas, al menos los más conocidos, son versiones y no dejan de sonar hoy en día. Red Red Wine (Neil Diamond), The Way You Do The Things You Do (The Temptations), I Got You Babe (Sony&Cher) con Chrissie Hynde, I Can´t Help Falling in Love  (Elvis Presley)... Las mires por donde las mires, y les tengas más o menos manía por la de veces que las repiten en la radio, son grandes versiones. La primera es un claro ejemplo de cómo superar al original, el tema de Neil Diamond había pasado casi desapercibido y UB40 la convirtieron en éxito mundial. Y la versión del Falling in Love de Elvis creo que merecería un post entero para ella sola. 

Pero hoy me quiero fijar en dos que están entre mis favoritas y afortunadamente suenan algo menos en las radio fórmulas: Kingston Town tiene una delicadeza única, genera nostalgia, paz y buen rollo instantáneos (sin necesidad de fumar nada:)) y la especial voz de Ali Campbell suena perfecta. Como se puede ver en el mismo vídeo, versiona un tema de Lord Creator, cantante de la escena Jamaicana en los 60s.

Versión. Kingston Town, UB40 (1989)

Original. Kingston Town, Lord Creator (1970)

La segunda es la versión de Dylan que hicieron junto al grandísimo Robert Palmer I`ll Be Your Baby Tonight. Para ser exactos es una versión de Palmer ft. UB40 y no al revés. Arriesgado pero afortunado, el llevar a Dylan a este tempo.  

Versión. I´ll Be Your Baby Tonight, Robert Palmer ft. UB40 (1990) 

Original. I´ll Be Your Baby Tonight. Bob Dylan ( 1967)

Set Adrift on Memory Bliss

Yo tendría unos 12 años. Durante unas vacaciones de Navidad, una de mis primas mayores me prestó una cinta grabada casera, de aquellas con la carátula escrita a boli. Ponía Spandau Ballet Parade. Yo no sabía ni siquiera cual era el nombre del grupo y cual el título del disco, pero comencé a escucharla. Aún la conservo, y desde entonces tengo especial predilección por esta banda británica, y más concretamente por éste álbum. Es verdad que los dos éxitos más conocidos y más repetidos, True y Gold, estban en el LP anterior (llamado True), pero mis absolutas favoritas: Round&Round, I´ll fly for you, Highly Strong, Only when you leave... son de Parade. Luego vendría Through the Barricades, precioso el tema del mismo nombre, y después ya me fuí desconectando (y un poco más tarde ellos también). Recientemente han venido a Madrid al Palacio de los Deportes, y me arrepiento bastante de no haber hecho lo imposible por ir. 

Escribo sobre ellos porque casualmente he tropezado en youtube con un tema de los 90 que sampleaba True. Lo había olvidado totalmente, pero recuperarlo ahora, después de tiempo sin escucharlo, me transporta a esos años con un cosquilleo en el estómago. Se trata de una versión hip-hop/r&b de PM Dawn, Set A Drift On Memory Bliss. En su momento dieron crédito a la banda inglesa e incluso Tony Hadley hace un cameo (un poco raro) en el vídeo. Un dato curioso que encuentro en internet es que apenas hay versiones de temas de Spandau, sin embargo True ha sido sampleada 41 veces, lo que da una idea de hasta qué punto su sonido es reconocible hoy en día. En cualquier caso yo solo conozco este ejemplo y siempre me pareció que está hecho con buen gusto. 

Y en este tema no sólo utilizaron samples de True, sino de otras tres canciones más. No las voy a poner aquí todas porque no las conozco y se pueden consultar en Wikipedia o en la página Whosampled, que es una de las más interesantes que existen sobre estos temas. Pero por ejemplo me ha gustado enterarme de que el drum, que es muy reconocible, especialmente porque también lo utilizaron los "fake" Milli Vanilli en Girl You Know It´s True (qué fuerte), sale de aquí

Sample. Set Adrift on Memory Bliss, PM Dawn (1991)

Original. True, Spandau Ballet (1983)

Can´t Take My Eyes Off You

Hace unos meses fui a ver Jersey Boys, atraída por dos reclamos: Clint Eastwood y el pop de los 60s. A pesar de estar muy bien hecha, la peli me pareció fallida, fría y hasta ridícula en sus últimos minutos. La sensación era la de estar viendo un documental más que una película, con el contratiempo añadido de que la voz del actor escogido para interpretar a Frankie Valli no me resultaba soportable y me sacaba constantemente de la peli. Seguro que tiene mucho mérito encontrar a alguien con ese timbre tan especial, pero desde mi humilde punto de vista no fue una buena elección de casting. A pesar de todo estuvo interesante conocer la historia de los Four Seasons, y descubrir, o redescubrir, que fue Frankie Valli quien cantó la versión original del Can´t Take My Eyes Off You. Para mí es una de esas canciones que te sabes de memoria, pero nunca terminas de tener muy claro quien la interpreta. De entre las infinitas versiones (es una de las más versionadas de la historia) la que más reconoces es una discotequera y ochentera y la asocias a Gloria Gaynor, pero más tarde descubres que en realidad es de un grupo llamado Boys Town Gang (ojo al vídeo y a la coreo). La Gaynor también tiene su versión, pero no es la que la mayoría tenemos en la cabeza.

Versión. Boys Town Gang (1982)

Original. Frankie Valli (1967)

Luego está aquella a la que tienes más cariño, quizá no por ser la mejor (aunque sí de las más arriesgadas) sino por pertenecer a una época determinada de tu vida: la de Lauryn Hill, post Fugees, que añadió un "Of" al título (desconozco si ese Of aporta algo aparte de redundancia, si alguien lo sabe que me lo diga) y la llevó a su terreno r&b. Y con mi debilidad por Muse debería destacar su versión, pero esta vez creo que no acertaron y simplemente destrozan la canción, nada que ver con su interpretación de otro clásico como Feeling Good que ya comenté en una entrada anterior. 

Versión. Lauryn Hill (1997)

Y encuentro la excusa perfecta para poner y volver a escuchar esta MARAVILLOSA canción de Damien Rice cuyo único punto de coincidencia con todo lo anterior escrito es la frase que nos ocupa, repetida hasta poner los pelos de punta y que a pesar de ello no da título a la canción (se llama The Blower´s Daughter).

Supreme

No he escrito todavía nada sobre swing, todo un género de versiones, y eso que tengo en cola unas cuantas entradas para publicar (podría hacer una sección entera). Género clásico, elegante y atemporal, creo que siempre existe algún momento en la vida en el que no hay otra música que encaje mejor (y no, no me refiero a las navidades, aunque también). El swing nació del jazz en los 30s con las Big Bands y revivió en los 50s centrándose más en los vocalistas (crooners) que en las orquestas (Sinatra, Dean Martin, Bing Crosby, Ella Fitgerald...). Ahora tenemos por ejemplo a Harry Connick Jr, y más pop, más superventas y más premiado, al canadiense Michael Bublé. 

Luego está Robbie Williams, que aunque se dedica al pop ya tiene dos álbumes de swing (el segundo publicado estas navidades Swings Both Ways). Su voz no alcanza a la de Bublé, pero se le da bastante bien, así que voy a empezar por él. El single que ha sacado en diciembre es Dream a Little Dream, un clásico versionado mil veces que voy a dejar para otro momento (estoy decidiendo aún si me gusta esta versión). De hecho ni siquiera voy a elegir un tema swing, voy a empezar por Swing Supreme, que no es otra cosa que una autoversión de su tema original del 2000, Supreme. Bueno, digo original, pero estaba basado directamente en I Will Survive de Gloria Gaynor.  

Merece la pena escuchar esta versión swing con todos sus arreglos orquestales. 

Autoversión. Swing Supreme. Robbie Williams (2013) 

Parecido razonable. Supreme. Robbie Williams (2000) 

El video era totalmente 70s con pantalla partida y escenas reales de los campeonatos de F1 con Williams metido digitalmente. 

A mí personalmente me encanta ésta versión que publicó en francés!!! (aunque adivino que su acento no es muy correcto). 

Original. I Will Survive. Gloria Gaynor (1978)

Siendo el tema de Gaynor un clásico supremo, lo que hizo Robbie Williams parece más acertado y digerible que cualquier atrevimiento de versión que pueda haber por ahí. Quizá con la única excepción de la genial y alternativa versión de Cake que no me resisto a poner aquí, aunque habíamos empezado hablando de swing y acabamos en rock...

Versión. I Will Survive. Cake (1996)

Selfish Jean

Es curioso, la cantidad de tiempo que se puede estar escuchando varias canciones sin darse cuenta de la conexión entre ellas!. A mí me ocurrió con estas, y eso que son todo un clásico de los parecidos...un ejemplo perfecto para ilustrar ese tipo de similitudes que te pueden hacer saltar de una canción a otra, cada vez más atrás en el tiempo, como si formaran parte de una cadena. Unidas en este caso por un ritmo de batería y la capacidad de subir el ánimo a cualquiera.

Voy a empezar por la más moderna y seguramente menos conocida de todas: una de mis canciones preferidas de la banda escocesa Travis, Selfish Jean. Comienza con una batería inicial apabullante, y he tardado años en caer en que es directamente un sample de Lust for Life, de Iggy Pop (por ejemplo inolvidable en el inicio de la peli Trainspotting). Claro que aparte de ese sample las canciones no se parecen mucho más, y yo personalmente tengo debilidad por Travis.    

Parecido razonable. Selfish Jean, Travis (2007)

 

Parecido razonable. Lust for Life, Iggy Pop (1977)

Por otro lado Are you gonna be my girl, el temazo de los australianos Jet que suena a clásico nada más escucharlo, también remite a Lust for life, y seguro que a más cosas que no se me ocurren ahora.   

Parecido razonable. Are you gonna be my girl, Jet (2003)

  

 ...Aunque si preguntáramos a Jet dirían que no es a Iggy Pop precisamente a quien querían parecerse. Porque en realidad al escuchar el comienzo de Lust for life es difícil evitar tararear esto:   

I need love, love
Ooh, ease my mind
And I need to find time
Someone to call mine

Y es que ahí está el origen: You can´t hurry love, que a mi mente viene primero en la versión de Phill Collins, porque fue quien convirtió este tema en un exitazo en los 80s cuando yo era peque. Gran versión y genial vídeo con lo sencillo que es, grandes primeros 7 segundos :))). El original es de las Supremes, así que, como en otros posts anteriores, después de encadenar varias canciones vuelvo a acabar en la Motown. 

Versión. You can´t hurry love, Phil Collins (1982) 

 Original. You can´t hurry love, The Supremes (1966) 

   

Y podríamos seguir...el riff de guitarra de  Touch Me, de The Doors (1968), o la base rítmica de Maneater, de Hall&Oates... o el tema Town Called Malice de The Jam (1982)... 

Stay

Hace unos meses la banda "indie" americana Low versionó un tema de Rihanna en un concierto y les quedó tan bien que han decidido publicarlo. El tema original es Stay, compuesta por un tal Mikki Ekko, con quien canta Rihanna el tema a dúo. Cuando escuché Stay por primera vez no me llamó nada la atención, parecía la típica balada pesada y aburrida (las caras de Rihanna en la bañera no ayudaron mucho), pero gana muchísimo con el tiempo y con las escuchas (sobre todo si no miras el video), y ahora me encanta.  

A Low no les conozco apenas, he leído algo sobre ellos, cosas buenas, pero lo cierto es que  he intentado escucharles y no consigo pillarles el punto. Vale, son lentos y tranquilos, eso no tiene por qué ser un problema, pero me resultan planos. Quizá en directo sea otra cosa, o quizá no he tenido la suficiente paciencia hasta ahora. 

Lo que está claro es que su estilo no se parece a lo que hace Rihanna... y sin embargo su versión de Stay apenas difiere del original.  

¿Por qué traigo aquí entonces una versión de un grupo que no conozco y que no aporta nada especial al tema original? Quizá porque me gusta lo que Low parecen decir con ella: "olvida que esto es mainstream, evita el prejuicio de ignorar todo lo que vende como si fuera un asco. Una buena canción es una buena canción, sin más, y ésta nos gusta tal cual es".  Y quizá la versión solo piano, con las voces de Low, son pareja, aporta un extra de sinceridad y seriedad que no va mal a la canción. Aunque a pesar de todo creo que sigo prefiriendo la voz de Rihanna. 

Versión. Low (2013) 

Original. Rihanna ft. Mikky Ekko (2013) 

Mirrors

He tenido una canción de Justin Timberlake pegada durante un fin de semana entero, quizá batiendo algún record personal de canturreo mental de canciones. Así que buscaré cualquier excusa para escribir sobre él aquí (algún cover habrá hecho digo yo) y ver si así se me termina de despegar :). Las canciones pegadizas no necesariamente son las mejores, a veces al contrario, son las más insufribles, pero ésta creo que sencillamente me gusta. Se trata de Mirrors, de su último trabajo (tercer álbum de estudio The 20/20 Experience).  No lo había escuchado aún, pero leí que se había llevado el premio MTv al mejor vídeo del año (MVA Awards) y lo curioseé en Youtube.  

No hago demasiado caso de los premios MTv, definitivamente yo no soy su público target en cuanto a edad y estilo musical y en general la cadena me da mucha penita, recordando los tiempos en que ¡ponía música!!. Y para qué decir que me dan bastante grima las mileycyrus, justinbiebers, katyperrys y similares. Pero tampoco desprecio el supermainstream (en general ningún estilo musical), y en estos bestsellers también se cuelan cosas con calidad, por ejemplo en la gala de este año, Bruno Mars, y por supuesto Justin Timberlake: es que canta bien, baila bien, tiene clase... se marcó una actuación de 15 minutos como si el escenario fuera su casa...¿se nota que me gusta? sobre todo por su evolución espectacular: de macarrilla de boyband y novio de Britney Spears (:SS), ha  pasado a ser un tío atractivo, con estilo -"president of pop" ya le llaman-, actor (muy bien en La red social, bastante competente en In time, etc)  y empresario emprendedor (myspace, lineas de ropa, decoración, restaurantes, discográfica... ). Vamos, que lo tiene todo (hasta a Jessica Biel, esto por los lectores masculinos). 

Volviendo a Mirrors, el vídeo sí merece premios. A modo de homenaje a sus abuelos, muestra a dos ancianos y su larga vida en común a través de flashbacks a tres periodos distintos de su relación, jugando en todo momento con los espejos, físicos y metafóricos "cause it´s like your my mirror, my mirror staring back at me", rozando la sensiblería pero sin caer del todo. Timberlake ni siquiera aparece hasta pasado el minuto 5, cuando la canción da un giro y le pasa a él el relevo de la historia por medio de un anillo "you are you are the love of my life". Y su aparición es, por decirlo en una palabra, elegante. 

JT se suele esforzar con los vídeos, ya lo hizo muy bien en LoveStoned/I Think She Knows, también en dos partes (me encanta la transición de una a otra, minuto 3:30). 

Pero este es un blog de versiones así que necesito mi excusa. El caso es que no conozco versiones publicadas por JT. Samples supongo que tiene bastantes, pero no controlo tanto su música. Por ejemplo samplea a los Jackson Five (Can You Feel It) al final de What Goes Around.../Comes Around (otro buen vídeo, con Scarlett Johannson). Colaboraciones, bastantes, las más conocidas con Madonna (4 min) y Timbaland, productor ubicuo. El tema que voy a elegir es Ayo Technology, donde JT sólo colabora porque quien firma es el rapero 50 cent, y la sorprendente (y más popular) versión de Millow en acústico, que lo hace parece un tema romanticón y melancólico cuando la letra es bastante perversa y explícita, por decir algo. 

Versión. Ayo Technology, Millow (2008) 

Original. Ayo Technology, 50 cent feat. Timbaland & Justin TImberlake (2007) 

The Only Living Boy In NY

Hace un par de días llegó hasta mi facebook esta entrada de un blog de música que mencionaba a Simon & Garfunkel como una de las primeras referencias musicales del autor. Queda poco original decir que yo iba a escribir una entrada aquí sobre exactamente esa misma canción y versión, pero es así, y además suscribo casi palabra por palabra lo que dice el blog en el primer párrafo, porque me ocurre lo mismo: los primeros recuerdos musicales que tengo, dejando aparte las canciones infantiles, se componen de mucha música clásica, los Beatles, y Simon & Garfunkel. ¿Y por qué? Porque es lo que tenían mis padres en casa y me encantaba. Aún están por allí, un LP de Grandes éxitos del 72, y Bridge Over Troubled Water (1970), que fue su quinto y último álbum juntos.  

I can gather all the news I need on the weather report.

Hey, I've got nothing to do today but smile.

Da-n-da-da-n-da-da-n-da-da here I am

The only living boy in New York

The Only Living Boy In NY era uno de los temas del Puente Sobre Aguas Turbulentas, sin embargo, creo que lo he escuchado más veces en la versión de Everything But The Girl. Este grupo británico surgió en los 80s, con un estilo jazz pop o "sophisti-pop", similar al de otros grupos de esa época como Swing Out Sister o Matt Bianco. Se hicieron más conocidos a mediados de los 90 a raíz del pedazo de remix de su tema Missing que hizo el productor Todd Terry, y sus colaboraciones con Massive Attack, que les llevaron a dedicarse después a sonidos más electrónicos pero manteniendo la elegancia y sofisticación que tenían desde el origen.    

Versión. Everything But The Girl (1993)

Original. Simon & Garfunkel (1970). 

Limit To Your Love

En Spotify no sabes cómo pero vas saltando de una música a otra hasta que sin querer das por ejemplo con James Blake y te enganchas. Blake es un cantautor londinense que hace una especie de soul electrónico. De momento solo tiene un disco (24 añitos sólo) pero ya es bastante conocido: fue "descubierto" por la BBC en 2010 y ha recibido buenas críticas e incluso una nominación a los BRITs. Su música es inquietante, hipnótica y también rallante. 

El primer single de su álbum, Limit to Your Love, resulta ser una versión (aunque el resto de temas son originales y muy interesantes). La autora es Feist, una cantautora (pop, indie, folk) canadiense que después de muchas andaduras y colaboraciones con otros músicos (Jose González -que abrió este blog-, Kings of Convenience, ...) se hizo famosa porque un tema suyo, 1234, se utilizó en un anuncio de Apple. En España recuerdo que algunos la conocimos gracias a otro spot (no se si molaba más el tema Mushaboom o la sonrisa del modelo, en fin...). Conocí primero la versión de Blake y quizá por eso es mi favorita frente a la original, aunque ambas merecen la pena. Feist tiene una voz preciosa, mientras que Blake añade una atmósfera muy especial. Ese bajo tan intenso que produce ondas en el agua (0:55) merece una buena subida de volumen. 

Versión. James Blake (2010)

Original. Feist (2007)

Whatever

Entre las muchas polémicas que desató la banda Oasis en los 90 estuvo la de ser tildados de  plagiadores. Ellos nunca tuvieron problema en reconocer sus referencias (Beatles, Stones, Smiths...), pero en algún caso parece que llegaron más lejos, como ocurre con la famosísima  Whatever.  Neil Innes, compositor británico conocido sobre todo por colaborar con los Monty Python, les demandó por el parecido con su canción How Sweet To Be An Idiot, y no cabe mucha duda de la similitud, así que ahora Innes aparece en los créditos de Whatever junto a Noel Gallagher. 

Este y otros homenajes que aparecen en la música de Oasis hacen que tengan detractores, aunque yo estoy entre los que esto no les parece algo importante. Tampoco creo que sea necesario pedirle a una banda de los 90 absoluta innovación en cuanto a composiciones, cuando está todo ya tan mascado y trillado. Es más, veo un logro que supieran usar esas referencias sin perder autenticidad y logrando un sonido propio. Por ejemplo, que Don't Look Back In Anger comience con los acordes de Imagine de John Lennon no engaña a nadie siendo tan obvio, y en cambio es un guiño chulo.  

De todas maneras, los hermanos Gallagher tampoco necesitaban defensa alguna: 

I'm free to be whatever I

Whatever I choose 

And I'll sing the blues if I want

Pues eso. 

Parecido razonable. Whatever, Oasis (1994)

Original. How Sweet To Be An Idiot, Neil Innes (1973). (Atención al sombrero-patito). 

Curiosamente Neil Innes a su vez comparte créditos de canciones con los Beatles ya que durante los 70s en el grupo The Rutles se dedicaba a parodiar sus temas, en el más puro estilo humor británico. Y si, también How Sweet To Be An Idiot suena mucho a Beatles, así que al final todo vuelve al origen.   

Por cierto, Oasis en directo solían interpretar Whatever haciendo un pequeño mashup con el estribillo de All The Young Dudes, de Mott The Hoople, del que ya hablé en el blog hace unas semanas. Y en otras ocasiones con el Octopus Garden de los Beatles, y cantada por Noel en lugar de Liam, como en este caso (3:55): 

  

Creep

Hay canciones que son tan especiales y tienen tanto significado o traen tantos recuerdos que intentas escucharlas poco para no quemarlas. A veces no puedes evitar que las queme la radio por tí y te molesta cuando las pinchan. Creep es una de ellas. Y es que hay canciones que no deberían sonar, o mejor dicho, sólo deberían sonar cuando estas preparado para escucharlas. 

Es curioso porque en la radio británica pensaron algo parecido cuando se lanzó la canción en el 92 como single de Pablo Honey: la retiraron por demasiado depresiva. Así que pasó desapercibida, y no volvió a sonar allí hasta un año después cuando se relanzó movida por el éxito que había tenido primero en Israel y luego en otros países (España entre ellos) antes incluso que en EEUU . 

Los mismos Radiohead se rebelaron contra ella al inicio (esos estallidos de guitarra que suenan antes del estribillo fueron un intento de sabotaje del guitarrista por lo lenta que era) y más tarde también, dejando de tocarla en sus conciertos, no sólo por la chamusquina del éxito sino también porque evolucionaron a otro estilo más experimental y menos grunge donde Creep ya no encajaba muy bien. A mí también me cuesta escucharla  tras cualquiera de OK Computer o Kid A: no pega.

Yo nunca había reparado en el parecido con la canción The Air That I Breathe, de The Hollies, pero es tan obvio que Tom Yorke lo admitió e incluyó a sus compositores (Albert Hammond uno de ellos) en los créditos. En cualquier caso, para mí esto no es más que una anécdota y no baja a Creep del pedestal en el que está. 

Parecido razonable. Creep, Radiohead (1992)

Original. The Air That I Breathe, The Hollies (1974)

De Creep hay una buena versión acústica del irlandés Damien Rice, aunque no aporta demasiado, de no ser porque la suele unir a su fantástica The Blower´s Daughter en los directos, con un resultado muy chulo. En este video la imagen está fatal, pero el audio se salva (Creep en el minuto 4 aprox): 

Perlas Ensangrentadas

Pensando en himnos del pop español, uno de los primeros nombres que vienen a la mente es el de Carlos Berlanga, un genio seguramente infravalorado y compositor de la mayor parte de los temas de Alaska y Dinarama (y antes de los Pegamoides o Kaka de Luxe). ¿Como pudiste hacerme esto a mí?, Ni tu ni nadie, A quien le importa... el significado himno cobra especial sentido cuando recuerdas perfectamente haberlas cantado a coro en el autobús del cole cuando tenías 7 u 8 años. Dinarama duró unos 6 años, hasta que Carlos y Nacho Canut, el tercer componente del grupo, no se aguantaron más. 

Perlas ensangrentadas es todo un clásico, compuesto por Berlanga para el primer disco de Dinarama, Canciones Profanas, aunque la canción más famosa de ese álbum, y que ha sonado desde entonces hasta la saciedad fue Bailando. Perlas está claramente inspirada en Born to Run de Bruce Springsteen, pero es uno de esos casos en los que esta inspiración no molesta, no es incómoda. Hay quien dice que el parecido es pura coincidencia, pero tiene más sentido pensar que simplemente Springsteen fue una de las influencias de Berlanga (Born to Run es unos 8 años anterior a esta). El caso es que Perlas coincide en el inicio pero luego continúa por su propio camino, para jugar en otra liga diferente, sin llegar a ofender por el parecido. No olvidemos que Born to Run fue el despegue de Springsteen (crítica y público de acuerdo) y según Rolling Stone está muy pero que muy arriba entre los mejores álbumes de todos los tiempos. También es probablemente mi favorita de Springsteen (junto con Hungry Heart y Brilliant Disguise).   

A su vez, Perlas ensangrentadas tiene sus propias versiones. Sobresale, bastante por encima de la que hizo la propia Alaska con Fangoria, la del gallego Xoel Lopez (Deluxe), quien empezó a tocarla en sus directos y la incluyó en Reconstrucción (2008) y tambien en un disco homenaje a Berlanga Viaje Satélite Alrededor de Carlos Berlanga.  Engancha ese "flores" chillado. 

la interrogué en el camerino

sobre la muerte de rené, 

me contestó con evasivas, 

no sé, no sé, no sé, no sé. 

vámonos, me dijo, 

tengo que hablarte de unas

perlas ensangrentadas, 

flores pisoteadas. 

perlas ensangrentadas, 

flores pisoteadas.

Versión. Perlas Ensangrentadas, Deluxe (2008). (No he encontrado un buen video, la mejor versión es ésta para quien tenga Spotify). 

Original (con inicio razonablemente parecido). Perlas Ensangrentadas, Alaska y Dinarama (1983)

Original. Born to Run, Bruce Springsteen (1975) 

Sea of Love

My Blueberry Nights es una peli del hongkonés Wong Kar-Wai, su primera película con reparto occidental (y de lujo, por cierto). Es una peli que o te hipnotiza y se queda contigo mucho tiempo, o te aburre hasta el infinito (en mi caso pasó lo primero). Es cierto que no ocurre gran cosa durante las dos horas, pero no es necesario: esta peli es simplemente -y no es poco- una mirada a los sentimientos y a las desilusiones acumuladas, una mirada a través de una ventana con luces de neón. Visualmente, mirándola como fotógrafa, es impresionante; enmarcaría muchas de sus escenas, los colores saturados, los cristales, los neones, esos encuadres tan especiales...(vale, también enmarcaría a Jude Law... o a Rachel Weisz, aquí secundaria espectacular que se come a todos lo demás en cuanto aparece). Y en la banda sonora (y aquí es adonde voy, porque éste todavía no es un blog de cine): jazz, soul y Cat Power. Dos temas suyos contribuyen a crear la atmósfera de la película: The Greatest y Living Proof. 

Cat Power es una cantautora de Atlanta, rara, indie, alternativa. Cuesta escuchar un disco entero suyo sin dormirse o tirarse por la ventana de la depresión, pero en pequeñas dosis es una maravilla. Mira por donde tiene un álbum de versiones, llamado The Covers Record (con versiones de Dylan, de la Velvet, ...), y en ese álbum una versión de Sea of Love, un clásico de los 50s, único éxito de Phill Phillips. Hay muchas versiones de este tema, las más conocidas las de The Honey Drippers (Rober Plant) en 1985 y la de Tom Waits, en plan oscuro, en Orphans: Brawlers, Bawlers and Bastards, pero a mí me encanta la de Cat Power, y creo que es la primera que realmente le da una vuelta de tuerca a la original, dándole una intensidad especial.    

Volviendo al cine, por aquí me soplan que la versión de Phillips es el tema central de un thriller del mismo título protagonizado por Al Pacino en el 89, donde un asesino en serie acaba con sus víctimas mientras suena esta antigua grabación a 45rpm. 

Versión. Cat Power (2000)

Original. Phil Phillips (1959)

The Funeral

El ejemplo de hoy está en la categoría de homenaje o simplemente parecido razonable. No llega a más porque son solo unas pocas notas al inicio de la canción, pero para mí son claramente similares, y en este caso estoy especialmente orgullosa de haberme dado cuenta yo solita, aunque seguro que es algo obvio para más gente. El caso es que he rebuscado en internet alguna referencia a este parecido (bueno sólo he llegado hasta la tercera página de google) y lo único que parecen tener en común es que ambas canciones han formado parte de la banda sonora de la serie One Tree Hill en episodios diferentes. Coincidencia. No se si será un homenaje consciente o inconsciente, pero no parece simple casualidad. Había estado escuchando, y mucho, la canción más reciente: The Funeral, de Band of Horses, un grupo indie de Seattle que tienen temas como éste o Laredo que están entre mis favoritos indiscutibles. Días después, haciendo una lista de spotify de cantautores de los 60s, pensé que me sonaba extrañamente reciente el inicio de The First Cut is The Deepest, de Cat Stevens. Tardó en llegar la conexión. Sólo son los primeros segundos de ambas canciones, luego las dos tienen recorridos muy diferentes. 

Inicio razonablemente parecido. The Funeral, Band of Horses (2006)

Original. The First Cut Is The Deepest, Cat Stevens (1967)

'cause when it comes to being lucky she's cursed

when it comes to loving me she's worst

but when it comes to being loved she's first

that's how I know

Por cierto, la versión más famosa de The First Cut is The Deepest es la de Rod Stewart, pero a mí me resulta bastante cansina así que como curiosidad voy a traer la de P.P Arnold, la primera que se editó ya que fue a ella a quien Stevens le vendió la canción, pues por aquel entonces prefería considerarse sólo compositor, no cantante.  

Versión. The First Cut Is The Deepest. PP Arnold (1967)

In My Life

Si por casualidad estás leyendo este blog, te animo a enviarme tu propia crítica o a opinar en cualquiera de las entradas.  Es lo que ha hecho mi amigo Miguel - ¡¡¡primera colaboración!!! -, y me ha enviado un texto sobre una de sus versiones favoritas. Será la primera - y seguro que no última - entrada sobre los Beatles. Yo soy bastante radical en el tema Beatles: son tan grandes que es lógico que sean los más versionados de la historia, pero de ahí a que alguna de las versiones pueda siquiera compararse... ejem, veremos si alguien me convence.  De todas maneras me comprometo a buscar más ejemplos que estén cerca de conseguirlo, tal y como dice Miguel respecto al que nos comenta: 

In My Life

De todos los artistas que interpretan versiones de esta canción, ma parece que Judy Collins es la que mejor se ajusta a sí misma (condición fundamental para un artista) al versionar In My Life. Aún siendo cierto que la canción es una versión y no ha brotado íntegramente de su imaginación, sigue siendo arte propio de Judy: ha interpretado muy bien un espíritu de fondo encerrado en la canción original (por cierto, es más fácil de captar este espíritu cuando la canción está tan inspirada; no en vano está considerada una de las 100 mejores canciones de todos los tiempos), y, vistiéndola con su propio estilo acústico y con su profunda voz, le ha dado una nota nueva que a veces me sorprende e incluso me espeluzna.

Sobre el resto de versiones que he oído: mientras siento que, unos más, y otros menos, captan la inspiración de la canción original, no puedo evitar de repente, sentir “notas de disonancia”, que por momentos canibalizan, con sus rasgos propios de cada artista, la canción: se la comen literalmente para dejar entrever esos rasgos egoístas. Esto es típico de malos intérpretes de versiones ajenas. Para no adulterar el arte en versiones, creo que, o haces

hiperrealismo, o impresionismo, o algún otro tipo de continente que sirva de vehículo a la idea inspiradora, a lo que en su día entendió y expresó el artista original, o, si no, 

simplemente, mejor lees las partituras y te inventas el performance, como ocurre con los 

artistas que en Operación Triunfo muestran sus dotes para el canto y el baile. Pero si se quiere 

superar a la versión original – y Judy casi lo consigue - nunca se podrá hacer con notas 

particulares de “ego artístico”, si no sirven siempre como vehículo, si no son un continente, 

sino que se convierten en un contenido en forma de diálogo, por cierto, de besugos, sin 

posible entendimiento, entre la idea inspiradora del artista versionado y la del artista versionador. La unidad entre cuerpo y alma es lo que define una obra de arte, es su esencia, y por eso no debe haber "falsos diálogos" por un alma entendida intermitentemente, distraída por su propia necesidad de demostrarse a sí mismo que le cuerpo que da forma a la obra versionada es el suyo propio. Por eso es muy frecuente que, cuanto más se intente superar a la versión original, más se fracase en el intento - si la canción original es de cierta calidad -. La envidia en el arte, como en la vida, es contraproducente. Y sólo la naturalidad, en estos casos, puede coger una gran idea y transformarla en algo nuevo o aún mejor. Sin ningún tipo de complejo de inferioridad; sin destruir el alma de la obra al sujetarla entre las manos para analizar, a toda costa, cómo superarla. 

Me retracto quizás de decir que esta canción sería la segunda de mi repertorio que ha superado a una versión original (junto con With a Little Help from my Friends, de Joe Cocker), pero creo que no me arrepentiría mucho de decirlo, ya que Judy ha estado cerca de conseguirlo.

Miguel P.

Versión. Judy Collins (1966).

Original. The Beatles (1965).

...y en la versión de Aquellos Maravillosos Años:

Y reedito la entrada porque me apuntan que existe una versión "no oficial" de esta canción por una banda americana de los 60s, The Gants, que por cierto no conocía y me encanta!! Gracias Chicho! :)) 

Parecido razonable. I Wonder, The Gants (1967)